机翻了一篇溶けない名前乐队的访谈

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溶けない名前《幽かにそう纏う》发行纪念访谈：逻辑的飞跃与回旋的走马灯

2022年10月26日，名古屋引以为傲的歌谣自赏乐队"溶けない名前"发布了新EP《幽かにそう纏う》。若排除2021年的重录专辑《タイムマシンが壊れる前に》，这实际上是他们时隔5年的原创作品。想必有许多听众一直在期盼着乐队的回归。

本文是通过邮件访谈进行的记录，旨在重新解读刚刚发布了万众期待新作的"溶けない名前"。乐队的主脑イトウ先生(吉他/主唱)在回顾以往作品目录的同时，深入探讨了最新作品，详细讲述了歌曲的创作过程、从音乐到短歌和诗歌等各种影响来源。

提问=鴉鷺

编辑=對馬拓

Q. 首先，能否请您谈谈乐队成立之前的经过?

A. 请多关照。成员们第一次聚在一起是在2012年春天左右。当时并非以"组建乐队"为目的聚集，而是称之为"即兴演奏会"，朋友们在排练房集合，随便即兴地配合某人弹奏的乐句。

成员最初是流动的，但逐渐固定为时间安排容易协调的成员。那就是成立初期的4人(イトウ、うらん、ソガベ、ニワ)。后来，觉得只做即兴演奏会陷入僵局，不如尝试创作歌曲，于是就逐渐发展成了乐队。

Q. 想请教一下"溶けない名前"这个令人印象深刻、过目不忘的乐队名称的由来。

A. 在考虑乐队名候选时，想到了"溶けない◯◯"（不溶的◯◯）或许不错。之后，思考了与"溶けない"（不溶的）搭配能产生意外感的词是什么，结果就成了「溶けない名前」（不溶之名）。虽然两个词都是日常使用的词汇，但我觉得将它们并列在一起，就产生了一种异物感和生造词的感觉。

其他的乐队名候选还有「刺したい◯◯」（想刺入的◯◯）和"诗集"，这些后来都被转用为早期的曲名。

Q. 聆听溶けない名前的音乐时，常常觉得相较于所谓的自赏乐队，他们的音乐性很独特，是独一无二的存在。能否请您谈谈塑造了这种风格的音乐，以及在此之前最初接触的音乐体验?另外，也想了解您遇到自赏音乐的时机和经历。

A. 塑造风格的音乐是80年代歌谣曲。特别是80年代的偶像歌谣，无论是歌词还是旋律，在流行感中都带着某种乡愁，我认为这是构成现今溶けない名前的重要元素。其中，原“Happy End”乐队的松本隆先生是我非常尊敬的作词家，我认为他的词作完美融合了文学性、幽微的哀愁与少女情怀。

另外，我也非常喜欢80年代的角川电影(如《水手服与机关枪》、《侦探物语》、《穿越时空的少女》以及非角川的《四月怪谈》等)。这个时代的日本电影中，女性使用"～かしら""～なのね"这种不现实的台词，或许无意识地影响了我的歌词创作。最近我一点点收集购买角川发行的杂志《バラエティ》，快有40本了，从当时的文化中有很多新发现，这个领域我还正在探索中。

最初的音乐体验是，从幼儿园到小学高年级期间一直在学习电子管风琴。但是几乎没掌握什么，我自己也觉得不可思议。

与自赏音乐的初次相遇是My Bloody Valentine的《Loveless》。当初我迷上了“Number Girl”的田渕ひさ子，所以也入手了一把Jazzmaster吉他。买了之后，就想知道还有哪些乐队也用这款吉他，于是就去找来听，他们就是那时候听到的众多乐队之一（记得同期还听了Sonic Youth、Dinosaur Jr和Television这些）。而《Loveless》这张专辑，在当时给了我巨大的震撼，成了我的心爱之作。但那时候My Bloody Valentine还没重组，资料也少，我就没再对这个音乐类型挖得更深。

Q. 请允许我沿着作品目录的顺序提问。首先想请教关于最初的两张EP《おやすみA感覚》和《おしえてV感覚》。在这两张属于最早期的作品中，已经能清晰地听到贯穿至今的音乐特性，例如青春期般的情感、怀旧感、让人感到鲜活同时又梦幻的吉他、诗意的唱腔、歌谣曲式的旋律等元素，也就是被称为"歌谣自赏"的音乐。而且，之前在Grumble Monster 2.0（【インタビュー】溶けない名前 ~歌謡シューゲイザーが呼び起こすノスタルジー~ | GRUMBLE MONSTER）的访谈中记载，您在最早时期创作了《刺したい》和《ソーダ室へ行こうよ》。我们想了解，这两张EP有着怎样的创作根源与诞生历程？同时，也希望能聆听您关于创作时期的轶事，以及您当时在音乐或其他艺术领域所关注的作品。

A. 非常感谢您连过去的访谈都查阅了。如访谈所述，《刺したい》和《ソーダ室へ行こうよ》是在最早期的"即兴演奏会"的延长线上诞生的曲子，当时とニワ先生(鼓手)说"旋律很歌谣曲，吉他很像自赏呢"，于是我们开始自称"歌谣自赏"。

之后，一边学习自赏音乐的知识(国内外的乐队、场景)，一边推进歌曲创作。《おやすみA感覚》是最早期摸索着"什么是自赏?"创作出来的记忆。记得在即兴演奏的尽头完成了一首高速四拍鼓点的曲子时，觉得"果然感觉这个不对……"就废弃了。而《おしえてV感覚》则更扩大解释，创作了像《ぼくらの倒錯ごっこ》这样带有疾走感的曲子。感觉随着知识的增加，固有的观念也逐渐被打破了。

顺便一提，乐队创作歌曲的方法，从结成之初至今一直采用同一种方式。

① イトウ先完成只有弹唱的原曲(有时歌词和标题会来不及完成)。

② 在排练房通过即兴演奏完成各声部。

因为乐队是缘起于即兴演奏，所以对于编曲，我并没有预设完成形态，而是依赖成员们的想法。有时在即兴演奏中，节奏组的成员会说"想做成◯◯感觉的曲子"、"能感受到◯◯"，从而固化了意象(例如：想要《OMOIDE IN MY HEAD》那样的结尾氛围感)。

不过，うらん先生(Key. Vo)几乎不了解"◯◯感觉"的乐队，所以我觉得他是自由创作的。他有时也会说出对曲子的意象，但我们无法理解(例如：能看到拿着红色玫瑰花束的男人)。但是，很多时候曲子的意象是从键盘的主奏乐句开始固化的。

另外，正因为提出了"歌谣自赏"这个概念，我感觉即使我什么都不控制，曲子也能自然成立。即使大家各自随意做不同的事，意识也总会隐约朝向那个方向。

Q. 那两张EP的标题，都包含了取自稻垣足穗《少年愛の美学》的引用(A感觉、V感觉)，歌曲标题中也直接引用了《ヰタ・マキニカリス》这本书名。想请教您对稻垣足穗的关注。

A. 《ヰタ・マキニカリス》这个标题是因为被"生命"与"机械"这种有机的少女特质与无机的机械性的组合所吸引，从而直接用书名命名。《ロボットと詩集》、《電気信号の妹》、以及过去翻唱过的《少女人形》也都是同样的结构，或许我就是被这种东西附身了吧。

对于稻垣足穗本人，像《一千一秒物語》等作品，充满童话般的氛围，又点缀着天体科技术语，有一种微暗青色的乡愁感，我很喜欢。

题外话，就在最近我才知道Happy End的首张专辑《Happy End(通称：ゆでめん)》的特别鸣谢中列出了专辑的影响来源。发现里面有稻垣足穗的名字时我很惊讶(其他还有：宫泽贤治、江户川乱步、唐十郎、楳图一雄、柘植义春、梦野久作、涩泽龙彦、林静一等等 ← 仅列出文学类中我喜欢的。实际上涉猎更广，数量庞大)。再补充一个题外话，松田圣子有一首歌叫《一千一秒物语》(作词：松本隆)。

Q. 之后，在2015年发布了第一张全长专辑《タイムマシンがこわれるまえに》。能否请您谈谈从之前的EP到这张专辑的过程中，创作上的变化以及在创作上留意的事项?顺便一提，我个人特别喜欢《少女の官能基》。

A.这张专辑收录的曲子，无论是原曲还是在即兴演奏中的编曲，完成的节奏都非常快。收录了很多在乐队最活跃地进行现场演出时期主要演奏的曲子，这或许是全体成员投入感情最多的作品。

在音源化(混音/母带处理)方面，我们相当留意。因为之前主要通过Disk Union委托销售的《おしえてV感覚》获得了意想不到的好反响，所以我们希望接下来的音源能在全国发行。但是，在思考"究竟为什么《V感觉》能获得好反响?"的基础上，我们考虑了接下来的方向。

我自己提出的假设是："如果推高歌谣曲的部分，是不是能让更多人接受呢?"。我自知作为自赏乐队在知识和技术上有所不足，因此思考"肯定是其中的'歌谣'部分让人感到有趣吧。那么进一步提高歌谣的比例会怎样呢?"(比起前作，提高了人声和键盘的音量，吉他和贝斯则有所克制)。这样制作出来的《タイムマシンがこわれるまえに》，确实有了歌谣感，也变得易于聆听，但个人感觉，《V感觉》中曾有的那种冲动性和难以言喻的魅力似乎有所缺失。

这是这次访谈时重新思考的个人见解：我认为，自赏音乐的魅力源于甜美旋律的引力与吉他及其他器乐噪音的斥力，这两者间的力学相互作用。当它们恰好达到中间点的平衡时，便会形成一种“扬弃”，或者说，一种无与伦比的魅力便由此诞生。

只有《タイムマシンがこわれるまえに》是委托了外部工程师制作的，但由于我传达方向的方式不好，制作时间也短，给人家添了麻烦。不过，负责其他作品混音的ソガベ君(贝斯)表示，通过这张专辑体验到了"客观地想要做好溶けない名前的乐曲时就会变成这样"的视角。这个经验被作为混音的基础之一，融入到了之后所有的音源作品中。

Q. 然后，在2017年发行了即使称之为国内自赏音乐的杰作也当之无愧的第二张专辑《制服甘露倶楽部》。这是我个人非常喜爱并经常聆听的作品。这是一张能强烈听出其在悦耳的曲目和声音层面的飞跃的优美作品，但与之前的创作相比，是否有飞跃性的进步呢?也能感觉到制作层面的进化。

A. 非常感谢。《制服甘露倶楽部》除了在《A感觉》《V感觉》中学到的自赏元素、在《タイムマシン～》中试图强调的歌谣曲元素之外，我觉得最初开始组乐队时最为憧憬的Number Girl、ART-SCHOOL等吉他摇滚的元素也更明显地体现出来了。因为是以自然的状态创作的，所以根源性的东西就显现出来了。结果可能就是形成了风格多样的作品。

这段时间，我陷入了写不出歌词的瓶颈，于是只能通过哼唱和弹唱的方式即兴发挥，以此来创作原曲。对此，键盘手表示：“没有歌词固然增加了难度，但也带来了更大的自由度。我是在构建自己内心故事的过程中，创作出每一个乐句的。”

在制作方面，这张作品是在吸收了前作培养出的外部视角要素的同时，怀着重新构筑、升级《おしえてV感覚》的意识去面对的。另外，我记得对从第1首到第8首的曲序也很讲究。带着前半4首是A面、后半4首是B面这样的意识，设计成有两次情绪高涨的波浪。

Q. 2021年发行的《タイムマシンがこわれるまえに》的重录版《タイムマシンが壊れる前に》，我认为它是一部杰作，将原本就优美动听的乐曲用现今更坚韧的声音进行了升级。能否请您谈谈再次录制2015年作品的背景?

A. 契机是2021年春天，バンド君在乐队的LINE群里发来了他自行尝试混音的《電気信号の妹》的音源。当时因为《制服甘露倶楽部》的发行，溶けない名前创作的所有曲子都已面世，我们对质量也很满意。因此本来没有打算继续乐队活动，但他发来的混音版本水平几乎与现在的流媒体版本无异。有种历经时光重生的感觉，我觉得这个必须发布。

在制作方面，我们以《制服甘露倶楽部》为基准进行了升级。通过改变曲序，也使得专辑能像《制服甘露俱乐部》那样形成A面/B面般的流动感。

Q. 作为最近的作品，您日前发布的《幽かにそう纏う》自发行以来我已反复聆听多次。它既延续了《制服甘露倶楽部》和《タイムマシンがこわれるまえに》的优美声音和乐曲，又让人感觉有了更大的进化。请问本作的乐曲创作和声音塑造是采用了怎样的方法和过程进行的?另外，也想了解当时所留意的事物或作品等。

A. 非常感谢。很开心。乐曲创作的过程与以往的音源完全相同(原曲→即兴编曲)。本作是从2022年年初开始创作原曲，2月第一次进入排练房。成员们聚集在排练房是时隔5年半的事，但并没有违和感，反而能以新鲜的心情投入制作。2月到5月是排练房编曲期，5月到10月是录音/混音/母带处理期。

总体概念上，我觉得更接近《おやすみA感覚》。仿佛从《制服甘露倶楽部》开始循环，重新从1开始组建乐队一样。

留意的作品是植芝理一的《夢使い》。这是一部以眼中饲养着精灵的梦使者少女为主角的漫画。我有意识地在歌词中加入了梦/瞳孔/眼睛等元素。题外话，《もぎたてのディスコミュニケーション》这个曲名就是来自他的作品《ディスコミュニケーション》。他是我最喜欢的漫画家，深受其影响。

关于声音塑造，在以往作品的基础上，并未以过去作品为基准，而是尝试了新的方法。

[关于新作的简单解说]

1.まほろば的リアクタンス

想作为第一首制造具有疾走感的开场而创作。因为使用了"俺押さえ"式的和弦，连我自己也搞不清根音，第一次在排练房与贝斯对根音时稍微费了些劲。

2. 瞳憬日より

童谣/歌谣式的旋律。为了营造80年代的感觉，给鼓声加了门混响。这是第一次尝试这种方法。

3.剥がれてく

在最初配合的即兴演奏中，节奏组似乎持有像ART-SCHOOL的《BLACK SUNSHINE》那样比现在更沉重的意象。加上歌词后，变成了现在这样带有漂浮感的感觉。

4. 幽かにそう纏う

EP中最早完成的曲子。(我们自己觉得)这是最能体现溶けない名前特色的曲子。间奏和尾奏的键盘融入了学校钟声的乐句，能隐约感受到放学铃声⇄上学铃声的循环。

Q. 《幽かにそう纏う》这个印象深刻的标题，具有语言上的美感，能让人感受到(在我看来)与溶けない名前音乐相通的青春期般的刹那情感与感伤、虚幻，还能解读出"如此萦绕"与"走马灯"的文字游戏。想请教这个标题所蕴含的意义和背景。

A. 非常感谢。在下一个问题的部分会详细记述，"幽かにそう纏う"这个词是从我为写歌词而积累的梦境日记储备中挑选出来的。当我想到"回归《おやすみA感覚》、轮回"、"梦使者"这个总概念时，觉得这个词组非常契合，就采用了。其中也包含了文字游戏，歌词中也有"隐约如此萦绕与轮回的走马灯"这样的词句。虽然很难用语言明确说明其含义，但您能感受到青春期感、感伤、虚幻，我非常开心。

Q. 溶けない名前的歌词主要从少女的视角描绘其细腻的心情和机敏。能否请您谈谈创作歌词时留意的事项以及受到影响的艺术家?

A. 歌词是我积累梦境日记，然后从中组合而成的(梦境日记是从开始溶けない名的约两年前断续记录的)。与一般的梦境日记稍有不同，更像是临睡时脑中听到的声音般的东西。里面有很多平时自己绝对想不到的非逻辑性词语组合，所以我会记录下来(储备量换算成Twitter推文大约有4000条，但其中也有很多觉得无法作为歌词使用的)。从中，我进行能浮现出我所追求的女性特质/青春期特质的词语选择和组合，并对部分词语进行修改/补充，使其成为歌词。

因为留意"逻辑跳跃"和"词语作为词语本身存在"这一点，所以"意义性"变得稀薄，特别是今次作品，连我自己也不太清楚"只是奇怪的词语罗列"与"歌词"之间的区别了。在迷失方向时，曾尝试用马尔可夫链来创造"逻辑跳跃感"，但果然还是觉得"这个不对"。

在设定了总概念之后，歌词的创作就顺利推进了。小说、漫画、电影是视觉性的，通过致敬性地使用其标题或主题，或许常常使得散乱的梦境日记得以收敛成歌词。其他方面，我认为所有我接触过的艺术家都作为潜在影响包含在内。成员们会说"有歌词的话更容易做曲子"、"希望原曲能带上歌词来"，所以歌词或许也带有激发乐器组成员创作乐句的意味。

Q. 看到您在Twitter上发布过上篠翔《エモーショナルきりん大全》和木下侑介《君が走っていったんだろう》的书影，从歌词中感受到的抒情性要素、以及以往访谈中的记述等，得知您爱好短歌。如果能告知特别喜爱的歌人及作品将不胜荣幸(同时，也想请教您同样喜爱的诗人及小说家)。然后，短歌(及诗)等文学作品是如何影响溶けない名前的音乐的呢?

A. 我真的很喜欢短歌。首先很尊敬它仅用一行文字就能构建世界这一点。其次，能体验到超越逻辑的"虽然不太明白，但总之觉得好"的感觉也很棒。

偶尔会觉得短歌或许和音乐很相似。例如，歌集就像是专辑，连作是其中的一首曲子，歌集的装帧就像是CD的封面(因为装帧设计也很时尚考究，会想收集纸质书)。而且，也有音乐人为歌集的腰封撰写文案(《エモーショナルきりん大全》的腰封文案是ART-SCHOOL的木下理树先生)。

以下可能是我个人喜好的强行联系，但我觉得短歌和自赏音乐也有点相似。短歌存在五七五七七的定型，在其中(或者破调?)试图找出一切可能性;而自赏音乐也存在某种样式美，感觉像是在其引力圈的内外尝试进行表达。

[关于喜欢的歌人·诗人]

寺山修司：最喜欢的作家，是我了解短歌的契机。喜欢《田園に死す》、《月蝕書簡》中的元虚构性。诗集中的少女式思春期特质也是。

穗村弘：喜欢《手紙魔まみ、夏の引っ越し（ウサギ連れ）》中过度的少女气息，以及歌集结尾与开头相连的循环感。另外，他的短歌论《短歌の友人》从逻辑上解释了为什么会感觉到"不太明白但就是好"的部分，既让我学习，又让我有种被解谜的感觉。

宫泽贤治：《春と修羅》。尤其喜欢序文。被化学、地层学词汇与诗意词语的组合所吸引。因为きのこ帝国、春ねむり等艺术家也在曲名中引用他，或许搞音乐的人都会被他某种特质吸引。

川上未映子：第一诗集和第二诗集都喜欢。几年前，看过一场使用她诗集的戏剧《MUM&GYPSY 10th Anniversary Tour vol.2「みえるわ」》，被语言的力量和演员的力量所震撼。

[对音乐产生了怎样的影响]

显在影响方面：词汇、女性特质、循环感的表达。

技术影响方面：二物冲击性、跨句、上句与下句的平衡感、选择用汉字还是用平假名"打开"的感觉。

潜在·姿态影响方面：前卫短歌的虚构性、元虚构的<我>的创造(因为溶けない名前中女性第一人称和男性第一人称混杂，所以将作品中的主体与作者区分的想法很契合)。

Q. 想请教您对现行乐队或艺术家的关注。如果以目前仍在活动，或直到最近还在活动为范围，您喜爱或留意哪些乐队或艺术家呢?个人感觉，从溶けない名前的音乐中能感受到类似相对性理论的品味。

A. 我非常喜欢相对性理论。尤其爱听《TOWN AGE》。乐曲、声音的魅力自不必说，也被吉他的附点八分音符延迟与合唱效果，以及专辑整体的淡雅氛围所吸引。

说到诗意的唱腔，最近在听一个叫macaroom的组合。曲子很好，尤其喜欢歌词。那位 songwriter 也在做YouTube，介绍了名为"目录法"的独特作词法。非常有趣。

我也爱听日本的自赏乐队。特别是现场活动时期曾一起演出过的乐队，感情尤深。国外的自赏的话，最近通过流媒体知道的叫julie的乐队让我很在意。《flutter》这首歌有My Bloody Valentine的《You Made Me Realise》的感觉，仅凭一首歌就抓住了我的心。

Q. 最后，从2021年的《タイムマシンが壊れる前に》到今年的《幽かにそう纏う》这一旺盛的发行势头，包括我在内的乐迷中对重启现场活动的期待日益高涨。想请教溶けない名前

今后的活动计划。

A. 非常感谢。我们目前并不处于能立刻开展现场活动的环境，但希望总有一天能迎来那一天。

另外，溶けない名前是名古屋的乐队，有一个叫DREAMWAVES的、旨在活跃名古屋自赏场景的活动从2020年开始定期举办，我对此感到非常开心(作为观众今年也去了3次)。

最后，尽管时隔5年才发布新作，对于给予我们"一直在等待"、"很开心"等话语的各位，真的由衷感谢。对于第一次知道我们的人，如果能想着"原来还有这样的自赏乐队啊"并听一次我们的音源，我将无比欣喜。这次真的非常感谢。