音乐分享|喜欢听老歌？新歌没意思？分享几张我很爱的当代专辑

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前言
我不止一次听过有人在网上说自己不爱听新歌，更喜欢去听老歌。这倒是无可厚非，我以前也是这样想的，总觉得当代已经没有人能做出好音乐了，于是一头扎进老摇滚老流行音乐一发不可收拾。放在以前我大概率会同意这样的想法，但是随着时间的推移，年龄的增加，对音乐更深入的了解，表演经验的丰富，并且对当代音乐圈更加了解之后，我也开始逐渐发现一些非常牛逼，让我爱得死去活来的当代音乐专辑。也不由得让我想起Eric Clapton曾经说过的一句话，大致意思就是现在和过去的音乐环境其实是一样的，坏音乐和好音乐的占比仍然是一样的，一直都是坏音乐占据百分之九十，而好音乐只有那百分之五。唯一的区别就是现在想要找到那百分之五的好音乐更加困难了。这点其实我没办法证实，毕竟50年前我还只有负二十八岁。不过从我的个人经验上和对网络上讨论的观察来看，至少在现在确实想找到好音乐是很困难的，不然也不会有那么多人会热衷于去听以前的音乐。
所以这篇文章的首要目的就是给各位推荐一些非常好的现代专辑。风格横跨摇滚，爵士，前卫摇滚，Fusion，甚至是先锋音乐和实验音乐。如有兴趣各位可以自行寻找收听。
而这篇文章的第二个目的，甚至可能对我个人来说更重要的一个目的就是反驳那些所谓摇滚已死，爵士已死等等傻逼言论。我更加愿意相信，任何所谓死去的音乐形态从来没有真正意义上死去。他们只不过融入了各种个样不同的乐队和音乐类型当中，他们从来没有离开，他们的精神也从来没有死去。不过对我来说，所谓的摇滚的反抗精神本来就是伪命题，不过那是另一篇文章的事情。
废话了那么多，上主菜。
注：本文推荐的音乐仅仅局限于现代爵士，融合音乐，甚至是先锋实验音乐，甚至摇滚的占比可以说是非常地少，许多我喜欢的音乐更像是摇滚和爵士的融合（人称Fusion），如果想看关于纯摇滚甚至是金属的推荐请自动推出本文。并且本榜单不包括Cory Wong等在中国有一定名气的艺人。时间尺度将会尽可能局限在5年内。老艺术家新出土的现场专辑同样不纳入讨论。
Medietas - Brian Marsella's Imaginarium

第一张专辑是来自Brian Marsella’s Imaginarium的Medietas。其实驱动我现在坐在这里写这篇文章的最直接原因就是这张专辑。虽然这张专辑我只听过两次，但是还是忍不住感叹太牛逼了。怎么会有一张专辑能够做到如此包罗万象，无所不能的？
首先稍微介绍一下这支乐队。与其说是乐队，这更像是Brian Marsella的一个音乐项目。Brian Marsella是一位出生于美国费城的爵士钢琴家，在90年代移居纽约并且在纽约发展自己的音乐事业。现如今他已经是纽约下城前卫音乐圈鼎鼎有名的音乐人之一了，同时也参与过许多John Zorn的音乐项目包括十分经典的Cobra。
题外话，John Zorn真的是我超级喜欢的一个音乐人，不仅仅是一位无法定义音乐家，也是一个无法被定义的音乐推广人，有机会我一定要单开文章聊一聊他。不过以免有人不了解John Zorn，你可以理解他有点像纽约下城先锋音乐圈的Miles Davis或者Frank Zappa，对我来说，他们三个人最大的共同点就是每一位和他们合作的音乐人毫无疑问都是伟大的音乐人，本文接下来还会提及好几位和John Zorn合作过的音乐人。
回到正题，Brian Marsella其实真的很难算是我个人非常喜欢的乐手，我看他的现场不多，他的专辑我也没有听得很多，但是他却实实在在地做出这张我认为是地表最强的专辑之一。第一次了解到这个人只不过是我随口问了我吉他老师一句他最近有没有要去看一些现场于是他就跟我推荐了Brian Marsella。而我第一次看Marsella的现场就是他带着一批乐手从头到位表演了这张专辑。只能说彼时年少无知，那时的我还没有意识到那场表演到底有多么伟大，涵盖的内容到底有多么包罗万象。如果要我给我看过的所有现场排名的话，Brian Marsella的Medietas绝对名列前茅。有时候我真的希望能够穿越回过去再体验一次那场表演。

所以这张专辑到底牛逼在哪？简单来说，这就是一张涵盖了流行，RNB，放克，古典，爵士，世界音乐，摇滚，金属，实验音乐，甚至嘻哈等等音乐元素的专辑。两个半小时的时长包罗万象又量大管饱。并且这张专辑对各种音乐元素的运用绝不仅仅只是简单的元素堆叠，而是将各种元素打散重组并有机地重新结合在一起的专辑，并且远远不止是浅尝辄止地加入各种元素，而是真正很好地利用，并且每一个乐手的演奏都是大师级别的。
至于为什么至今这张专辑我只听过两遍，还是因为实在是太长了。年纪大了以后就是不喜欢听长专辑了，40几分钟的专辑挺舒服的，47分钟稍微有点长，80分钟的双专辑勉强可以接受，两个小时分两次听的话倒也还好，两个半小时直接把我送走算了。只能说这确实是一张无敌牛逼的专辑，但是我也确实不会天天听这种大长专。这种东西说好听点是史诗，说难听可能是又臭又长，当然这张专辑绝对不是又臭又长。可以说这张专辑里的每一分每一秒都是享受，喜欢音乐的人听这张专辑更是会有一种看头号玩家找彩蛋一样的快感，你根本不知道下一秒他会给你带来什么样的惊喜，你也不知道他会怎么融合不同的音乐类型。同时你也会不仅感叹在现如今的音乐环境竟然还会有人能够并且还愿意做出这样一张专辑，这绝对是现代音乐的一大杰作。
满分专辑，推荐给每一个真心喜欢音乐的人。
Members… Don’t

接下来推荐一张前几个月刚发行，来自鼓手Tyshawn Sorey的专辑。听之前我不知道，但是这张专辑似乎是对传奇鼓手Max Roach的Members Don’t Get Weary的直接致敬。曲目的名字和Max Roach的那张专辑完全一致，但是顺序则不太一样。我没有听过原专辑所以我不多做评价。
和Brian Marsella一样，我对Tyshawn Sorey这位乐手了解的也不多，我只看过一次他和Peter Evans表演的现场，同时我的教授Alice Teyssier也是乐队的成员之一。而Peter Evans也是一位神级乐手，稍后细聊。单看Tyshawn Sorey的演奏风格他其实算不上我非常喜欢的乐手，但是看过Sorey的现场感觉这鼓手实在是太强了，可以非常轻松地在不同的演奏风格之间切换，可以在快节奏高能量的演奏和慢速氛围化的伴奏之间快速切换。并且他的军鼓音乐和演奏力度更是让我想起了一位故人John Bonham。

至于这张专辑基本上就是朴实无华地好。如果说Medietas是一张包罗万象在不同风格之间疯狂切换融合的专辑，那Members… Don’t就是一张朴实无华的爵士专辑。当然我个人其实没有那么喜欢纯粹传统的爵士专辑，Members… Don’t让我很喜欢的点在于它不断地突破传统爵士的范畴进入自由爵士的领域，整个乐队只有五个人，没有一把电声乐器却有着不输摇滚的能量和爆发力。特别是最后一首加入了vocal，疯狂程度直指spiritual jazz。但是又不至于像现代的很多自由爵士或者先锋实验音乐完全抛弃音乐框架自由即兴，可以说在自由和框架束缚之间找到了一个很好的平衡。
Slo-Mo Neon Luminate Hoverings

同样是几个月前发行，由我非常喜欢的当代吉他手Mary Halvorson和小号手Ambrose Akinmusire合作的专辑Slo-Mo Neon Luminate Hoverings。
在我看来，现代非流行音乐到现在基本已经被分化成了三条路，一条路是前卫方向，前卫摇滚爵士等等类型的发展往往导向金属，而金属再往前进一步基本上就是噪音音乐了，不过大部分人其实豁不出去做噪音音乐，所以大部分人往往停在金属这一步，这是第一条路。第二条路是音乐的律动化，假如你对现代先锋实验音乐圈熟悉的话，你会发现有些人做的东西，纯听弹的东西那是抽象无比，所有东西都和我们熟悉的音乐元素毫不相关，唯独保留了一个律动，我会说这是一种律动化的音乐，这是第二条路。第三条路就是音乐的氛围化，音乐变得抽象了，声音变得抽象了，音乐变得更像音效了，逐渐也就变成氛围音乐了，这是第三条路。如果要说一个第四条路的话，那大概就是纯抽象，纯粹的即兴，纯靠乐手之间的默契和音乐素养支撑，不过年纪大了不太喜欢纯即兴的东西，这种东西初听很新奇也很有意思，过久了就很难提起兴趣，除非乐手足够牛逼。我现在会更加欣赏作曲，在所谓抽象音乐，先锋实验的框架下的作曲是我感兴趣的。
说回这张专辑，我会把这张专辑放进氛围化音乐的范畴，不过比起很多ECM发行的催眠专辑，这张保留了一点爵士和自由即兴的味道，导致它的听感非常有意思。如果说Sorey的Members… Don’t像是一张穿插在自由爵士和传统爵士之间的专辑，那这张Slo-Mo Neon Luminate Hoverings更像是一张穿插在氛围音乐和自由即兴之间的专辑。两位乐手其实不是第一次合作，Ambrose Akinmusire其实就是Mary Halvorson四重奏的一个成员，但是单个乐手单独的合作并完成一张专辑确实是第一次。

稍微聊一聊两位乐手，Akinmusire其实我了解的不多，专辑也听得不多所以我不做评价。作为一名热爱先锋实验音乐的吉他手，我其实不太喜欢大多数现代的先锋实验吉他手，主要的原因就是他们太喜欢用效果器了，更多时候他们只是在用吉他创造各种音效而不是在创造音乐。至少对我来说，我更想听到利用效果器去为吉他演奏增色而不是反过来让效果器主导吉他演奏。这也是为什么我非常喜欢Mary Halvorson，在现如今效果器泛滥，各种牛鬼蛇神乱飞的时代，她是我见过使用效果器最少的一位吉他手，基本上只有两个效果器，一个expression pedal和一个delay，极简到了极致，但是仅仅用两个效果器她就已经能过创造出很多非常具有想象力的声音。并且她的常规吉他演奏能力非常扎实，演奏非常干净。并且她的演奏风格跨度非常之大，据我所知她并没有做过任何一张能够被称之为摇滚或者Fusion的专辑，但是她完全有能力做到，第一次看她的现场的时候就被她的演奏爆发力震撼到了，这点后面会继续展开。而这张专辑展现的更多是她对效果器的使用和更加静谧的氛围下演奏的能力，和Akinmusire和配合更是天衣无缝。两个人对delay的使用都非常有意思，你不仅可以听到两个人非常扎实的乐器演奏技术已经对delay效果的使用和配合，还有对作曲和即兴边界的模糊。并且专辑录制和混音也做的非常好，毕竟是Nonsuch Record厂牌，制作预算是不会少的，但是这个名单里部分其他专辑就不一定有这么好的待遇了。
The Almighty

这张专辑在国内小圈子的名气应该是挺高的，我反正是在B站上刷到视频才了解到这张专辑的，Isaiah Collier算是当代非常厉害并且名气也非常不错的一位萨克斯手。我只看过一次他的现场，和William Parker合作的二重奏，两个人不间断直接即兴了整场演出，技术和音乐素养都没得说，纯粹的顶中顶。William Parker也是一位我超级喜欢的乐手，一会细聊。
至于这张专辑就像是一张量大管饱的自由爵士和spiritual jazz专辑。其实很难去讨论这样一张专辑，因为比起讨论它，不如自己去体验它。Isaiah Collier算是当代很好地继承了所谓spiritual jazz的一位乐手，很难想象有人能够在Coltrane和Pharoah之后还能做出这么让人耳前一亮的spiritual jazz专辑。对我来说比萨克斯更亮眼的是鼓手，这真的是纯纯粹粹的爆裂鼓手，太恐怖了，太恐怖了。我很难用恐怖之外的任何词汇去形容这个鼓手，这实在是太恐怖了。如果你想要知道什么是真正的爆裂鼓手，听一听第一首LOVE你就知道是什么意思了。
不过就如有人对Pharoah的Karma的批评一样，我觉得这张专辑唯一能够被批评的点就是它确实是一张更加通俗的自由爵士专辑。这张专里的旋律也好，即兴也好，已经算得上是非常好接受的，甚至可能让一个喜欢摇滚的人来听可能都会很喜欢。
但是话又说回来了，我并不觉得通俗对于自由爵士或先锋音乐来说是一件坏事，甚至我认为能够把抽象的，难以下咽的自由爵士做得通俗反而是一项非常厉害的成就。对我来说，任何通俗化的批评放到Karma或者The Almighty身上都是完全不成立的，我觉得任何先锋的音乐，任何实验，任何探索最终都是要回归到音乐本身上，而音乐不管再怎么抽象它始终有一点大众化在其中的。我并不觉得通俗化是每一个先锋实验乐手必须去做的事情或者是他们的责任之类的，我更多是觉得通俗化是这样的音乐最需要的东西，因为它把所有的实验，所有的探索，所有的东西最终回归到音乐本身，回归到大众，变得更加雅俗共赏。这本身就是一项不折不扣的成就，它不仅需要能力也需要勇气。而The Almighty毫无疑问是属于我们这个时代的 A Love Supreme。
The Ancients

刚刚聊到我第一次看也是目前唯一一次看Isaiah Collier现场是他和William Parker的二重奏，而William Parker这不就来了吗！
The Ancients是萨克斯手Isaiah Collier, 贝斯手William Parker, 和鼓手William Hooker三个人自由即兴的几个现场合集。
我刚刚聊到自由爵士的通俗化，如果The Almighty是自由爵士通俗化最极端的表现，那么The Ancients毫无疑问就是自由爵士纯粹自由的表现，属于是另一个极端。专辑中的五首歌，没有任何一首歌是提前排练过的曲目，甚至每首歌连标题都没有，仅仅只是用表演的时间和地名作为标题。而这三位乐手的现场我只能用能量满满来形容，我看过的Isaiah Collier和William Parker双飞的现场姑且如此，加上鼓手那更是如虎添翼，如临大敌，如雷贯耳，如鱼得水，如日中天，如释重负，如痴如醉，如愿以偿。
就怎么说呢，我经常提到的所谓“能量”，这其实是一个挺抽象的概念，甚至不能算是一个真正意义上的学术概念。但这也是我和我的朋友和其他音乐人聊天的时候经常会提到的东西，一场现场表演需要的不仅仅只是表演者全身心的投入将，表演者需要投入能量，观众也要对表演者投出的能量进行回应，只有这样才能铸造一场完美的演出。任何完美的演出都是天时地利人和的结果，人和我们刚才提到了，而有时候音乐人会谈论比如特定的表演场地会有非常好的能量，这就是地利的一部分。再多的我不去深入探究了，我虽然讨论的是抽象音乐，但是我不太想讨论抽象话题。
回到这张现场专，这绝对是一场盛宴。每一个现场都是一个极强的切片，完全的自由，完全的即兴和完全喷涌出的能量。三个乐手犹如通灵一般源源不断地输出。
不过要说这张专辑是否有缺点，有但是我觉得这大概是任何自由即兴的通病了。基本上所有的自由即兴的模版都是一开始安静，然后渐强，几个乐手对彼此的演奏做出回应，随后找到某种锚定点，或者是律动或者是旋律，然后开始变得更强最后到某种高潮，最后淡出。可以说这世界上绝大多数的自由即兴的现场表演都是这个模版。
但是吧，即便整张专辑每首歌基本上都是跟着这个模版来，我也不在乎说实话。当乐手牛逼到一定程度之后，所有所谓的模版啥的所有东西已经不重要了，坐着享受就行了。
另外一个缺点可能就是专辑录制和混音了，我不清楚这张专辑是这么录制的，但是我推测大概率是架了两个麦克风的XY配置，最终的混音也只能勉强把三个乐器大概平衡。导致的结果就是贝斯混得很模糊，萨克斯的音色有点薄，而鼓的在我听来则是有点小声。这可能是先锋音乐的悲哀吧，这毕竟是一个有点闭塞小圈子，你没办法指望这些乐手能够有钱有投资去做一张制作精良的专辑，这更多是小众音乐圈的悲哀而不是创作者的问题。
最后我想稍微分享一下我第一次看William Parker现场的经历，演出结束中他就坐着讨论了一会他的音乐哲学，让我至今忘不了的是他说所有音乐都是放克。当我听到那句话瞬间就有种对他的演奏醍醐灌顶的感觉，至于这句话要怎么理解，各位可以有自己的解读方式。
Angine de Poitrine

来自魁北克的数摇加微分音乐队，这支乐队应该是一支我不需要多说的乐队，大家应该多多少少刷到过两个大头波点外星人表演的视频了。国内我不是很清楚，但是国外几个月前这支乐队真的是火到男女老少，只要是做音乐和喜欢音乐的人都在讨论的程度，而现如今他们巡演的票已经是一票难求了，我和朋友们基本上已经放弃抢票了，因为根本就抢不到。他们两张专辑我都非常推荐，特别是第二张专辑，同时各位一定要去看看他们在KEXP表演的视频，如果你是个音乐人，如果你了解效果器和loop系统，你绝对会被这支乐队的音乐素养惊到。他们演奏的东西是真正意义上那种完全没有任何容错的音乐，任何一点失误都会导致接下来的演奏完全无法进行下去，任何一点抢拍或者拖拍都不可以，他们对loop的大量使用就注定了他们的演奏是完全没有容错的。
我觉得他们的东西某种程度上完全可以被归类到的律动化音乐里，刨去微分音和数摇你会发现这支乐队最骨子里的东西还是律动。不管他们弹的音再怎么古怪抽象，拍号变化再怎么复杂，他们的音乐唯一不缺的东西就是律动。哪怕你不在乎微分音也不在乎数摇，你也可以听着他们的音乐摇起来。
比起很多前摇或者数摇乐队多多少少的过度严肃，我觉得这支乐队更有意思的点在于他们的幽默感，这种幽默感不仅仅是作曲上和演奏上的小巧思，还有乐队形象上的幽默。同为外星人，David Bowie的外星人形象Ziggy Stardust带有一份自命不凡的权威，歌词和音乐上也有更多的比如拯救地球之类的“宏大叙事”。Angine de Poitrine呢，很明显的是这支乐队的整体氛围是要后现代很多的，外星人形象也更多是一种搞怪和玩笑，我对这种不把自己太当回事的乐队一向很欣赏。他们做的第一张专辑听起来多多少少有点小严肃，但是第二张专辑你是能听得出他们绝对是放开了玩，整体听感也更幽默有意思。

不过也有人提出质疑，他们认为这支乐队其实并没有带来什么新东西，无论是微分音还是数摇的概念都是已经被前人探索过的概念。这么说其实无可厚非，但是这并不足以成为批评或者质疑他们的理由。别的不说，假如一支乐队的音乐标志性到一定程度让人一听他们的音乐就会想到两个外星人在弹琴的画面，这还不够吗？别的不说，至少这个乐队在音乐上足够有意思的前提下，同时在形象和概念上也足够有意思，对我来说这就足够了。退一万步来说，如果一支乐队足够努力达到他们那种程度的精准和高超的音乐素养，那么任何对他们夸奖和赞誉以及商业上的成功我觉得都是合理的。
Mind Explosion (50th Anniversary Tour Live)

放一张Shakti和专辑在这里面着实是有点格格不入，毕竟这是一张没有任何新曲目的现场专。但是怎么说呢，RIP Zakir Hussain，世界上最伟大的塔布拉鼓演奏者。

稍微介绍一下Shakti吧，1975年吉他手John McLaughlin解散了传奇的Mahavishnu Orchestra，并与传奇的塔布拉鼓演奏家Zakir Hussain组建了Shakti，这支乐队延续的是McLaughlin对于印度古典音乐的喜爱。乐队先后创作了三张专辑，在第三张专辑Natural Elements发布之后便“解散”了，但与其说解散，不如说结束了专辑的创作。1977年之后，乐队的几人还是会陆陆续续的重组并表演。而在90年代，McLaughlin和Zakir Hussain则是组建了Remember Shakti的乐队，并与各种印度古典音乐人合作表演。乐队直到2023才再次以Shakti的名字重组并发布了新专辑This Moment，同时也是乐队最后一张录音室专辑。

曾经很长一段时间直到现在其实也是，我都非常想看一场John McLaughlin的现场，我也非常希望Shakti能够再出一张专辑并再巡演一次。很不幸的是他们上一次巡演的时候我还没有开始听Shakti，导致我错过了他们23年的现场。而后便是Zakir Hussain去世的消息，有的时候真的很难相信一些伟大的音乐家竟然真的已经离开我们了。

Zakir Hussain的伟大真的很难轻易概括，首先他是绝对意义上的King of Tabla。如果要给最伟大的印度音乐人排名，第一名大概率是Ravi Shankar，而第二名毫无疑问只能是Zakir Hussain，甚至把Zakir Hussain排到第一名都完全不为过。如果说Ravi Shankar是世界上第一位将印度古典乐带到西方并成功推广的先驱，是对披头士，滚石等各种传奇乐队和音乐人具有直接影响的传奇，那么Zakir Hussain则是将印度古典乐带给了世界，并将其与各种类型的音乐进行融合，而Shakti只不过是Zakir所有成就中的冰山一角。

至于这张被McLaughlin本人称作最伟大的Shakti专辑，我其实不太确定我自己是否同意他的想法。但可以确定的是，Mind Explosion绝对是我目前听得最多的一张Shakti专辑。开篇极为有力的Kiki，唯美至极的Giriraj Sudha，50年经久不衰的Lotus Feet，5 In The Morning, 6 In The Afternoon的经典旋律，绝美的Sakhi，以及对英年早逝的Mandolin Shrinivas纪念的Shrini’s Dream。作为Shakti和Zakir Hussain的绝唱，它在我这里绝对算不上完美，但是怎么说呢，每次听到专辑的最后的那句Ustad Zakir Hussain都有种感觉，仿佛Zakir还在我们身边，他给我们留下了太多美好的音乐。
RIP Zakir Hussain

Breaking Stretch

这张Patricia Brennan的专辑对我来说多少有点相见恨晚的意思。我只看过她的现场两次，不得不感叹不愧是打击乐手，有时候拍号复杂得我根本搞不清楚。我听的第一张Patricia Brennan的专辑是Maquishti，由于实在是太无聊了以至于之后拖了很久才继续听了其他Patricia Brennan的专辑，而在我听到Breaking Stretch后则是被实打实地震撼到了。我实在是太喜欢这种现代爵士大乐队乱炖式的音乐了，而这张专辑则是在大乐队以及强律动的基础上，构建了许多怪异又上头的旋律，框架上和传统爵士相似，但是即兴部分又颇有自由爵士和先锋音乐的风味。我实在是对这种古怪又上头的旋律无法抗拒，包括我自己写的歌在旋律上甚至都有点那种怪味。

专辑一开头的Los Otros Yo绝对是一记重击，各种打击乐器丰富听感，小号和萨克斯的共奏，还有极具冲击力的solo轮番上阵，对我来说简直就是一种不是摇滚但又胜似摇滚的听感。

而专辑剩下的所有曲目也维持了这种怪味大乐队甚至接近硬摇滚一样的暴力，具体不展开细说。但是假如你对爵士大乐队所带来的那种丰富的色彩感兴趣，或者你对前卫的音乐元素异常喜爱，这是一张你绝对不能错过的专辑。
Ars Ludicra

Peter Evans何许人也？我对这个人的评价只能是一句：MD疯子。最初了解到他还是教授在课上放他的视频，当时的感受只是这个人很强，但是确实没想到这人是个疯子。而我第一次看他现场是他的独奏现场，有时候你很难想象一个人和一把乐器到底能够把音乐演奏推到什么样的高度，在我至今看的所有现场中，有两位乐手的独奏强到把我脑子直接炸飞了，一个是Julian Lage，另一个是Peter Evans。Peter Evans演奏给人的感觉就是怎么说呢，就是那种，很特别的，跟发癫一样有病的，就像小号上吹音符不要钱一样乱砸的，能多吹一个音就绝对不少吹的理念。他自己创立的音乐厂牌就叫做More Is More，甚至在上了纽约Jazz Record报纸头版的时候上面写的标语也是More is More，就很说明问题了只能说。

至于这张专辑则是他的乐队Being & Becoming的第三张录音室专辑，而我的教授Alice Teyssier也在这张专辑最后一首歌客串了长笛，营造了一种诡异仙乐的感觉，就是那种很奇妙的介于仙和诡异之间的感觉。前几个月我也去看了他们的现场，顺便和Peter Evans本人聊几句，当我说到毕业后找工焦虑的时候，他表示焦虑是好事啊，焦虑完跟我们一起做抽象音乐。大致是这个意思，只能说在纽约做前卫先锋音乐的这帮人精神状态还是非常具有前瞻性的。

对我来说这张专算得上是音乐律动化的一种典型，首先大部分曲目在音乐旋律上是非常抽象的，不同的是，它的律动也很抽象，有种你的身体被音乐带着想要动起来，但是音乐的重拍重音的落点又很奇怪导致很难跟上音乐。但是吧，假如你认真听又会有一种诡异的爽感。和Breaking Stretch非常类似的是，这张专辑同样是一张有着摇滚能量的爵士专，即便整张专辑都只使用了原声乐器。只能说不少这些爵士音乐人都有着一颗摇滚的心，我对这种有着摇滚爆发力的爵士音乐人也都非常喜欢，对我来说最典型的代表就是John Coltrane，假如Coltrane多活几年，我断定他一定会去玩Fusion类的音乐。但是话又说回来，Coltrane哪怕只是玩原声乐器其释放出的爆发力就要比一般的摇滚人还要摇滚了，对我来说Coltrane就是一个比摇滚还摇滚的爵士音乐人。
同样的描述也可以套到Peter Evans组建的这套乐队阵容上，我只能用狠来形容这套班底，鼓手是The Almighty的鼓手Michael Shekwoaga Ode，他在这两张专的表现除了暴力根本没有其他方式来形容，他似乎目前为止还没有任何个人专辑，这大概率会是一位前途无量的鼓手。贝斯手光听专辑可能不一定听得出来，但是他对贝斯与合成器的结合使用可以说是非常让人眼前一亮，我很难用语言去描述他做的事情，就好像一个人熟悉爵士double bass的技术同时又喜欢嘻哈并且对新时代合成器和电子化的技术感兴趣从而将两者结合完成一些非常独特的效果。

而小号嘛，其实Peter Evans在这张专的小号演奏某种程度上算是比较收敛的，但是依旧是疯子一样的演奏，我觉得可以类比Miles Davis在Bitches Brew里的演奏，就仿佛小号是混乱中唯一引导着观众穿越一切的向导，非常非常之惊艳。
Gadabout Season

我一直是没有特别喜欢竖琴这个乐器，倒也不是不喜欢也绝对算不上讨厌之类的，只能说我听的音乐里确实极少有竖琴这种乐器，在我听Brandee Younger的这张Gadabout Season之前，我听过的唯一竖琴手大概就只有Alice Coltrane了。但Alice Coltrane倒也不是一个我常听的音乐人，虽然我也确实很欣赏她的音乐。
而这张Gadabout Season则是让我非常惊艳的一张竖琴专辑。和这个名单里很多其他专辑一样，这也是一张偏律动的爵士专辑，但整体氛围并非是一种让人想跳舞或者摇起来的感受，而更多是一种静谧的美感。用Brandee Younger自己的话说，这是一张展现了一场旅程的专辑，这是一场在人生复杂切片中找寻意义和美的旅程，直到最后浮现出一层更深的自我。
就这真的是一张我没办法说太多的专辑，因为它真的很美，无论是旋律还是即兴都非常克制，但从这份克制中流露出的就是那一份静谧又温暖的美感。对我来说，这就是一张我可以毫不犹豫推荐给任何人的一张专辑，因为它听起来完全没有任何门槛，它不会给听众任何压力，基本上只是静静地讲述一个故事。

Spirit Stronger Than Blood

我超爱Frank London。光从技术和演奏上说很难说他是最花哨技巧性最强的当代小号手，反而是他在现场表演的时候展现的对大乐队控制力让我非常喜欢。从他的专辑上看，你可以大致把他的音乐分成两个方向。假如你住在纽约并且有机会去看一次Frank London的现场，一大概率会看到他的第一个音乐方向，也就是犹太传统音乐Klezmer。什么是Klezmer？你大概可以把Klezmer理解成中欧和东欧地区的爵士乐，结合了许多犹太，巴洛克，斯拉夫等传统音乐的元素。传统Klezmer一般是在婚礼，节日，传统仪式等场合表演。现代Klezmer表演现场基本上可以当作犹太人或者各种欧洲人集会，跳舞的，跟着一起唱歌的非常常见，氛围感非常强。而Frank London绝对是我见过最牛逼的Klezmer音乐人，但是话说回来我其实也没听过太多Klezmer音乐。

我看过三场Frank London的现场，第一次和第三次都是Klezmer音乐的现场，而第二次则是在The Stone的现场。熟悉The Stone的朋友估计就知道了，任何看起来听起来正常的音乐人一旦来The Stone表演就要变得不正常了。而The Stone的那次现场大致可以当作Frank London第二种音乐风格，一种更加偏向现代，融合了更多先锋音乐的爵士乐方向。
而我要分享的两张Frank London专辑则都是他偏爵士的专辑。首先是这张Spirit Stronger Than Blood，虽然说我很喜欢Frank London的现场，但是他大部分非Klezmer的单飞专辑我倒没有特别喜欢，主要大部分对我来说还是太偏氛围了，但是这张专第一次听我就被抓住了。如果让我找一张专辑做比较我大概会把这张专类比Coltrane的Crescent（这张专超级棒，算是Coltrane专辑里讨论度比较低的一张）或者Live At the Village Vanguard，两张专辑同样有spiritual jazz的曲目，但同时也不缺乏一些更偏传统爵士的曲目。Let There Be Peace颇有Pharaoh Sanders的那类表达，Resilience是一首非常传统的爵士曲目，标题曲Spirit Stronger Than Blood则十分唯美，从钢琴solo过渡到小号的solo非常美妙，Poem for a Blue Voice里萨克斯和小号的配合让我想起一些Mingus的抒情作品，Abundant Love则是满满的拉丁爵士风味，也让我想起一些John Zorn的Masada的曲目，而专辑最后一首歌Resistance / Healing则是Klezmer味道最浓烈的曲目。而事实上也确实如此，Frank London在Bandcamp上写到这是一张向他的音乐影响致敬的一张专辑：Charles Mingus, Pharoah Sanders, Alice Coltrane, Booker Little,  Clifford Thornton。
总的来说这就是一张听起来非常没有压力的专辑，很多当代先锋专辑或者复杂音乐（或者有人可能喜欢叫严肃音乐，但反正我不太喜欢，叫严肃音乐好像有种高人一等的感觉）往往对听众提出一定要求，它们可能要求听众更加专心更加专注才能欣赏其中的美妙。
但是Spirit Stronger Than Blood和Crescent就是那种，你想随便放着听听或者全身关注聆听都可以非常享受的那种专辑，可以说对听众注意力的要求非常之低，推荐给所有喜欢爵士的人。
Brass Conspiracy

Frank London双杀，Brass Conspiracy属于是那种，我第一次听没有特别喜欢，但过了一段时间重听以后就很喜欢的专辑。但我觉得并不是说这张专辑有多晦涩难懂，主要还是第一次听的时候预期不一样。当我看到标题的Brass Conspiracy和满满的铜管的乐队阵容时，下意识地以为这是一张欢乐的Klezmer专辑，实际上这更像是一张阴沉冰冷的现代爵士专辑。虽然在乐器配置上使用了例如大号加长号这种Klezmer味道很浓重的组合，但是专辑整体的质感却犹如专辑的封面一样阴冷，不管是作曲还是演奏或者乐手的即兴都非常克制。

但是我要说的是，这仍然是一张带有些许Klezmer影响的爵士专辑，它并不像传统Klezmer一样那么高能量快节奏，也没有那些无聊至极的vocal（我很喜欢纯演奏的Klezmer，但是我是真的受不了人声，太催眠了），但是依旧延续了Klezmer中乐器之间的小互动，作曲和即兴也延续了Frank London身上散发出的一份幽默感。整体听感既有寂静般的唯美，也有些许小幽默小巧思。如果我要用一个词来形容这张专辑那就是克制，铜管作为穿透力非常强的乐器导致大部分铜管类的音乐往往和高能量挂钩，但这张专则是非常非常克制，小号长号和大号的旋律和即兴都非常克制，三位乐手也都是现在先锋音乐圈的大能，但并没有很多先锋音乐那么吵吵闹闹，反而是非常安静，但又不催眠。假如你愿意静下心听一听这张专辑，你是不会失望的。
Clone Row

鼓手Ches Smith的这张专辑算得上是去年的一个大热门了，不过所谓的大热门仅仅只是局限在先锋音乐的小圈子就是了，热度和常规主流音乐肯定是不能比的。但是在纽约下城先锋音乐的圈子里，这张专辑就是去年的一大爆款。
我最开始听说这张专辑的契机是我吉他老师给我读了一篇关于这张专辑的乐评，其中将这张专辑和King Crimson对比，称其是假如King Crimson在现代的样子。而我们两人同样作为King Crimson的粉丝必然是要去听一下这张专辑的。其实吧，单听这张专辑的话，我自己反正不是很能理解为什么要用King Crimson来和这张专辑类比，但是当我看完这张专的现场之后倒是多多少少理解了为什么说Clone Row就是King Crimson在现代的样子。其实单看乐队阵容的话，一个鼓手，一个贝斯手和两个吉他手，倒是很有Discipline时期的King Crimson的样子。而从作曲上看，两个吉他的配置所造就的互动效果也确实很有Fripp和Belew的配合的味道，某种程度上确实能说这就是当代前卫爵士版本的King Crimson。

回到专辑本身，这真的是一张很“酷”的专辑，从专辑封面到音乐本身，还有对电子乐元素的时候，都有种非常现代，非常酷也非常新潮的感受。但同时它本质上仍然是一张先锋爵士专辑，整体写作和即兴基本上都是当代先锋爵士的套路，甚至是一张非常偏向摇滚的先锋爵士专辑。而同样的，我觉得这张专也是音乐律动化的一个代表。两个吉他的旋律写作非常抽象，贝斯和鼓的律动同样是怪得不行，但是就是有种诡异地让人想摇起来的感觉，同时还有对电子音乐的结合。而乐队阵容不得不提的就是吉他手Mary Halvorson和鼓手Ches Smith，Mary Halvorson虽然自己的音乐可能比较偏氛围，但是在这张更偏摇滚更加高能量的专辑里她却又展现出非常惊人的爆发力，第一次看他们表演这张专辑的歌的时候我直接被震住了。至于Ches Smith，我对他的评价只有一句怪物。第一次看Ches Smith现场是John Zorn的Cobra，作为大乐队中三位鼓手之一，他的爆发力只能用恐怖来形容，一旦他开始演奏，那基本上就没有其他人什么事了，鼓声沉稳有力又惊天动地。他的演奏风格不是像Billy Cobham那种技术怪用极高的演奏密度直接让你的感官过载，他的风格更像是Bill Bruford那种稳得非常恐怖的鼓手，并且演奏力度非常之大，鼓声有如惊雷一般。这种震撼我根本没办法用语言来形容，也没办法被任何专辑录音所捕捉，虽然这张专在录制和混音上已经是非常好了。这种震撼只能在现场才能被感受到。对我来说这张专辑最让我感到可惜的地方就是它没有，也不可能，捕捉到Ches Smith那种非常独特的音色和演奏力度，那是一种在现场表演时才能显现出的一份共振。
Consentrik Quartet

我超爱Nels Cline。有意思的是，其实Nels的专辑我只听过两张，一张是他和Julian Lage合作的吉他二重奏Room，另一张就是这个，但是我超爱Nels Cline。其实吧，大部分时候我了解并喜欢上这些乐手的方式都是通过在纽约看现场爱上的。有时候我可能很喜欢一个乐手的现场，但是反而不太喜欢他们的专辑。
Nels属于是那种我已经看过几次他的现场，并且每次看都很喜欢，但是仍然没听过他几张专辑的那种乐手。Nels是那种完完全全属于这个时代的吉他手，虽然说他年纪已经挺大的了，你能想象他今年已经70岁了吗？并且他算是非常大器晚成的那类吉他手了，最开始成名是在他双胞胎鼓手弟弟的乐队Wilco里。在那之前他在唱片店做了10年员工，颇有音乐界的昆汀的意思。不过昆汀那是20几岁就成名了，Nels加入Wilco则是2007的事，而那年Nels已经51岁了。

不过吧，虽然他是从Wilco这种摇滚，乡村摇滚类型的乐队成名的，他本人的音乐在形式上则是更偏向爵士，前卫爵士，甚至是先锋爵士。但是要我说的话，我觉得Nels的音乐底色仍然是摇滚乐，这点一会再展开。
为什么我说Nels是一位完全属于这个时代的吉他手，因为假如你看过他的现场，你就会知道他就TM是个效果器疯子，地上放了一堆，还有一个单独的桌子放更多效果器。这点和我同样非常喜欢Mary Halvorson对比的话就是另一个极端，但是我要说的是，他们两个人很大的共同点在于，他们对效果器的使用从来没有盖过他们的吉他演奏，他们对效果器的使用永远都是利用其特性为自己的演奏增色，而从来不是反过来让效果器主导自己的演奏。
所以假如你去看一场Nels的现场，你会发现他对效果器的使用非常具有想象力，无论是创造音效，制造噪音或者其他先锋音乐的把戏，可以说在对效果器的使用上Nels是无出其右的。不过他的纯吉他演奏也完全不弱，但是比起Mary Halvorson的纯吉他演奏，Nels的演奏更有一点摇滚的味道。Mary Halvorson属于是那种出自纯爵士的背景，她的弹法明显更加干净技术性也更强，语句也更有爵士的味道。而Nels的演奏则更脏，布鲁斯的味道也更浓重，颇有一种怪味布鲁斯的感觉。这也是为什么我说Nels的底色依旧是一名摇滚乐手，正如Miles Davis所说的，你的态度是最重要的。而Nels演奏时的态度，虽然大部分时候他的吉他音色和失真或者法兹没有什么关系，但是他演奏时呈现出的态度，音符的选择和处理都能明显看出他就是一位彻头彻尾的摇滚乐手。

这Consentrik Quartet这张专辑呈现出的底色也是完全一样的，虽然但从音乐形态，乐器配置和整体音色和氛围上看，这就是一张爵士专辑，但是它的底色依旧是摇滚。无论是硬摇滚的布鲁斯味道，还是前卫摇滚里常见的复杂拍号和结构，你都能在这张专辑里听到。对一般摇滚听众来说，这样的专辑或许有点太安静，太缓慢，甚至太静谧。但是对我来说，这张专辑开篇的两首歌倒是完全概括了整张专辑的氛围，在静谧到诡异的氛围当中浮现出的异色旋律，并且在静谧和冷静中又维持着一种极强的张力，这种张力随时准备爆发出一种能量。对我来说这就是这张专辑给我的感觉，静谧中爆发的能量。

而我要特别提及的是Tom Rainey这位成名前开了10年出租车的恐怖鼓手，这同样是一位大器晚成的乐手，我听他的专辑其实非常少，也只看过他的现场一次，但是就是那一次现场就已经把我震撼飞了。就这人今年68岁？这真的可能吗？从技术上看他完全就是一名现代先锋乐手的高超技术，但是你真的去听他的演奏的话又有着比摇滚鼓手更加具有爆发力的能量，就仿佛没有尽头一样，技术上无比细腻但是演奏的态度却又带着一份朋克一样的粗糙。就你真的很难想象这些乐手为什么在这个年纪能这么牛逼，一个个基本上都是大器晚成，但是又没有所谓的巅峰期，就好像他们一直在突破自己一直在进不一样没有尽头，真的太恐怖了。
后记
最后再多说几句话，与其说是后记啥啥的，不如说是叠甲和免责声明，虽然我自己把这些专辑有些吹得神乎其神并且爱的不行，但是我必须得说的是，这个名单里的大部分专辑都不是广义上好听的专辑，甚至大部分可能会让人觉得难以忍受或者催眠，甚至不少专辑我第一次听的时候甚至都不太喜欢，有些可能过了几星期重听了才喜欢上，有的可能过了好几个月重听才喜欢上。
并且我要说的是，作为一个长期看先锋音乐现场，长期听抽象音乐，甚至时不时表演抽象音乐的人，我的口味和对音乐的感知已经变得抽象了，而这个名单所有的推荐都是基于我自己的感受，我自己的口味，我自己对爵士，对摇滚和对音乐本身的理解，和我自己的喜好。你大可以不喜欢，不理解我的推荐，那是你自己的事，我自己喜欢就行，你喜不喜欢和我没有关系。我想做的只是基于我自己的感受真心地推荐一些我真心喜欢的专辑，如果有人的音乐品味恰好和我一样变态，那或许他们会从中找到一些自己喜欢的东西，假如你不喜欢，那依旧是和我没关系，我不需要任何人喜欢我喜欢的东西，我也不需要任何人认可我的音乐品味和感受。如果你愿意尝试这些非主流的音乐形态和音乐风格，那我建议你摆正预期，这些音乐大概率和悦耳，抓耳之类的形容词没有甚么关系，如果你从中找到一些属于你自己的美好，那恭喜你，如果你没有，甚至觉得这些东西难听到爆，那依旧和我没有任何关系。
祝你找到喜欢的音乐。